LA HISTORIA DEL JAZZ. WORLD MUSIC

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World Music es el género musical con que se conoce
a la mezcla conformada por toda la música del mundo.

El término actualmente es usado al clasificar muchos
géneros de música no occidental que antes fueron
descritos como "música folclórica" o "música étnica"

Sin embargo, "la música mundial" no tiene que
significar la música folklórica tradicional, esto
puede referirse a las formas indígenas clásicas de
varias regiones del mundo, aunque tambien incluye
modernos estilos de música pop de filo.
Sucintamente, puede ser descrito como
" la música local del pais", " o la
Música
Local
De
alguien".

La música en el mundo entero ejerce una amplia
influencia multicultural, naturalmente influyen el uno del
otro, y en años recientes "la música mundial" también
ha sido considerada como un género acertado en sí mismo.

El estudio académico de música mundial, así como los géneros
musicales y artistas individuales con los cuales ha sido
asociado, pueden ser encontrados en disciplinas
como la antropología, Folkloristica, Estudios de Funcionamiento
y etnomusicologia.
Artistas destacados:
• Carlos Santana


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LA HISTORIA DEL JAZZ. POST BOP

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Post-bop es la denominación de un pequeño grupo
de músicos de jazz en los comienzos y mediados de la
década de 1960.
Se sitúa generalmente el comienzo del género en los
trabajos de John Coltrane, Miles Davis, Bill Evans,
Charles Mingus y especialmente de Herbie Hancock.

Generalmente, el término post-bop es utilizado para
nombrar a aquellos músicos de jazz que fueron influidos
por el hard bop (o bebop), y las vanguardias del
free jazz, pero sin ser necesariamente similares ni
asimilables con ninguno de los géneros anteriores.

La mayor cantidad de producciones del post-bop
fueron grabadas en el sello musical Blue Note Records.
Los denominados discos fundacionales del post-bop
son Speak No Evil de Wayne Shorter; The Real McCoy
(álbum) del pianista McCoy Tyner; Maiden Voyage de
Herbie Hancock; y Search For the New Land de Lee Morgan.

La mayor parte de los músicos enmarcados en el
post-bop son también encuadrados en otros géneros,
principalmente el hard bop; y en los años de 1970,
la gran mayoría de estos artistas mutaron hacia otros
estilos como el jazz fusion.
En la década de 1980, Wynton Marsalis y Branford Marsalis
Ensayaron
Un
Revivir
Del
Género
Que
Continúa
Hasta
Nuestros
días.
Artistas más influyentes:
• Wynton Marsalis
• Brandford Marsalis
• Chick Corea
• Sonny Rollins
• Joe Henderson


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LA HISTORIA DEL JAZZ. JAZZ FUSION

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El Jazz Fusion es un género musical que combina
elementos del Jazz con otros estilos de la música,
particularmente pop , rock , folk , polka , reggae ,
R&B , hip hop , soul y/o música electrónica.

Los álbumes de Fusion - incluso los que hayan sido
hechos por un mismo artista- incluyen a menudo una
variedad
de
estos
estilos
musicales.

A finales de los años 60, los músicos del jazz comenzaron
a mezclar las formas y las técnicas improvisational del
jazz con los instrumentos eléctricos del rock, los ritmos
del soul y ritmos del blues.
Al mismo tiempo, alguno artistas del rock comenzaron
a agregar elementos del jazz a su música.
Los años 70 fueron la década más visible para la fusión,
pero el estilo ha estado también bien representado durante
épocas
más
recientes.
Más que un estilo musical codificado, la fusión se puede
ver como una tradición o acercamiento musical.
Una cierta música progresiva del rock también se suele
considerar como Fusion. La música de la Fusion es
típicamente instrumental (es decir, sin voz), aunque
algunos subestilos contienen partes vocales; a menudo
contiene formas complejas de tempo , métrica y patrones
rítmicos , con longitudes extendidas de la pista, ofreciendo
improvisaciones muy largas.

Los músicos del Fusion son reconocidos por tener un alto
nivel de virtuosisimo, combinado con composiciones
complejas e improvisación musical en los metros,
vistos raramente en otras formas musicales occidentales,
salvo
en
el
Jazz.

Miles Davis , es recordado por muchos aportes a la música.
Pero, en particular por su álbum Kind of Blue, de 1959,
que cambio la ruta del Jazz para siempre.
Solo con los acordes menores y mayores, pero manejando
increiblemente las escalas y creando infinitas posibilidades.
Por esto, Miles Davis es considerado por muchos como
el Picasso del Jazz; abrió nuevas directrices, nuevos caminos,
nuevos estilos... Como por ejemplo el Jazz Fusion.
A mediados de los '60 Julian Cannonball Adderley comenzó
a realizar la música que fusionaba el jazz con el pop.
A finales de los '60, Miles Davis con su álbum
Bitches Brew, revela posibles influencias del compositor
avant-garde Karlheinz Stockhausen;
y el "Tony Williams Lifetime", usa instrumentos como la
guitarra eléctrica, el bajo y el piano eléctrico para crear
música que fusione el jazz con el rock y otros géneros.

Más tarde, Herbie Hancock , Joe Zawinul , Jan Hammer
y Chick Corea, comienzan a incorporar sintetizadores
como el minimoog.
También en los 70's se ve muy influenciado el jazz fusion
con el grupo holandes "Focus", en donde se mezclan sonidos
de
jazz,
rock,
yodel
,y
Musica
Nativa
De
Holanda.
Artistas destacados:
• Miles Davis
• Focus
• Chick Corea
• Joe Zawinul
• Weather Report

 
 
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LA HISTORIA DEL JAZZ. JAZZ ROCK

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Jazz Rock es uno de los estilos que se desarrollaron
en los últimos años 1960 y comienzos de los 1970.
Enmarcado inicialmente dentro de una corriente más
amplia, el Rock Progresivo, conformó su propio lenguaje
y desarrolló varias líneas de características bien definidas.
Los
Principales
Grupos
Radicaron
En
Los
Estados
Unidos.

Bandas en USA: las bandas pioneras aparecieron en USA.
En 1967, Al Kooper formó la que sería la mas importante
de éstas, Blood, Sweat & Tears, aunque la más popular,
y la que consiguió mejores resultados comerciales,
fue el grupo Chicago, que se formó el mismo año,
aunque editó su primer álbum un año más tarde que BS&T.

En estos mismos años, aparecieron otras bandas importantes
, como Chase (1969), Dreams (1970),
Lighthouse (1970), aunque eran canadienses, etc...
Algunas bandas que ya existían con anterioridad,
como Electric Flag o The Flock, añadieron vientos a su
formación alrededor de 1968, por la influencia ejercida
por BS&T; y otras, como Rare Earth, aún con una
sección de viento reducida, reclamaron su incorporación
al género.

Berendt introduce también en este sub-género al grupo Santana,
especialmente a partir de su disco Caravanserai ,
a
pesar
de
carecer
de
sección
completa
de
metales.

Bandas en Inglaterra: los grupos ingleses, que habían
supuesto el núcleo básico del rock progresivo,
no fueron muy dados a las big bands de rock,
y ello a pesar de su fuerte tradición de blues.

Pero, al menos, es necesario recordar una banda
muy interesante y que, realmente, tenía formación
de big band: CCS, el grupo del pianista John Cameron,
 que editó su primer disco en1971.

Desde otra vertiente totalmente diferente, músicos de
jazz habían comenzado a introducir en sus discos
bases rítmicas de tipo rock, especialmente a partir
de las experiencias de Frank Zappa a finales de
los años 60.

El pionero, indudablemente, fue Miles Davis, que rompió
el fuego con su disco Bitches Brew (1969).
Una buena parte de los músicos de jazz que le acompañaron
en esa grabación, generarían bandas de jazz-rock en los
años siguientes: Chick Corea con su grupo Return to Forever,
John McLaughlin y su Mahavishnu Orchestra, Joe Zawinul
y el grupo Weather Report, Larry Coryell y Eleventh House,
Tony Williams y sus Lifetime... Otros músicos de jazz,
como Stanley Clarke y Pat Metheny, o de rock, como Jeff Beck,
trabajaron
en
esta
misma
línea.

Ritmo: Aunque se siguió generalmente el tipo de
compás cuaternario propio del rock, las líneas del
bajo y la batería, recogieron modos típicamente jazzísticos,
especialmente
durante
los
solos.

Arreglos: Aunque en muchos casos los arreglos
para las secciones de viento se limitaron a la armonización
de los riff de guitarra clásicos del rock, en otros se produjeron
verdaderos arreglos para voces instrumentales diferentes,
al estilo de las bandas de jazz.

La influencia en éstos, varió desde los claramente
influenciados por el be bop, como en los primeros discos
de BS&T, hasta los que tomaron sus raíces en las orquestas
de swing, como en el caso de Chase.
En algunos casos la influencia de las improvisaciones y
Arreglos
Colectivos
Del
Free
Jazz
Fue
evidente.

Improvisaciones: aunque el concepto de solo ya era
conocido y usado por el rock anterior a 1967, en el
jazz rock se desarrolla de forma habitual, prácticamente
en todos los temas, tomando en muchos de ellos un
papel relevante e, incluso, principal respecto al tema vocal,
al modo de la tradición jazzística.

Ello exigió la presencia en las bandas de instrumentistas
solventes, en algunos casos de muy alto nivel: Randy Brecker,
Bill Chase, Chick Corea, Stanley Clarke, Lewis Soloff,
Dave
Bargeron,
Wayne
Shorter,
etc.

A partir de finales de los años 1970, el jazz rock, como
género o estilo específico dentro del campo del rock,
comenzó a decaer.

Frente a las grandes ventas que los grupos del género
habían cosechado en los años anteriores, el mercado se
decantó por las nuevas tendencias, especialmente el hip hop
y el funk, o por las revisiones radicales de las esencias
del rock, como el punk.

Buena parte de los músicos que, desde el jazz,
habían desembarcado en él, volvieron a sus raíces,
y las big bands de rock desaparecieron.. Sin embargo,
el jazz-rock tuvo una poderosa influencia en el pop británico
de los años ochenta, en grupos como Haircut One Hundred ,
Blue Rondo o Sade, así como en el desarrollo del
Acid
Jazz
Y
El
Blues
moderno.
Artistas destacados:
• Miles Davis
• Chick Corea
• Tony Williams
• Joe Zawinul
• Jaco Pastorious
• John McLaughin
• John Scofield

 
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LA HISTORIA DEL JAZZ. JAZZ ELECTRICO

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El uso de los instrumentos electrónicos en el ámbito del
jazz configura un a nueva estética.
También lo setenta son años en los que el jazz
evoluciona hacia la fusión con ritmos y electrónica
empleados
en
el
rock.
Por contra se evidencia una tendencia hacia la
música de cámara romántica europea, aunque el
free
en
ningún
momento
desaparece.
Se gesta un tipo de músico ecléctico que trasciende
e integrar jazz, rock y música étnicas.
Durante los ochenta, que pueden considerarse años
de mirar al pasado, aparece un reencuentro
con
el
Swing
Y
El
Bebop.
Tomando como modelo el jazz-rock se crea el "free funk"
con ritmos y sonido de la nueva ola en los que hasta
pueden
encontrarse
sonidos
punk
y
new
wave.
Artistas destacados:
• Miles Davis
• John McLaughin
• Chick Corea
• Michael Brecker
• Weather Report


 
 
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LA HISTORIA DEL JAZZ. AVANT GARDE

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El avant garde jazz es un estilo de música e improvisación
que combina elementos del estilo artístico avant garde
y elementos del jazz tradicional.
El avant garde jazz suena muy parecido al free jazz,
pero es muy diferente. A diferencia del free jazz,
el avant jazz tiene una estructura predeterminada
por la cual la improvisación es guiada,
y usualmente está parcialmente o totalmente escrita
la
composición
nota
por
nota.
Artistas destacados:
• Ornette Coleman
• John Coltrane
• Anthony Braxton
• Sun Ra

 
 

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LA HISTORIA DEL JAZZ. FREE JAZZ

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Los músicos de la época del dixieland y del swing
se caracterizaron por una improvisación con una fuerte
base melódica.
Por su parte, los intérpretes del bop, del cool y
del hard bop siguieron las estructuras de acordes en sus solos.

El free jazz supone una ruptura radical con estos estilos,
pues se caracteriza por que el solista, tras la introducción
temática, elude el seguir ningún tipo de progresión
o estructura, y apuesta por seguir una dirección
impredecible basándose únicamente en su intuición musical.

Cuando Ornette Coleman (y antes Cecil Taylor)
introdujo el free jazz en los escenarios de Nueva York,
muchos músicos y aficionados se preguntaron si lo que
estaban oyendo podía denominarse “música”.
La evolución del estilo fue vertiginosa, y quienes en
un principio habían sido considerados revolucionarios
en
menos
de
15
Años
Se
Habían
Convertido
En
anticuados.

El free jazz —que se superpone a la vanguardia jazzística
(la cual puede usar arreglos y determinadas estructuras
musicales)—es un estilo muy controvertido y preferentemente
minoritario, aunque bastante influyente en el jazz moderno
a pesar de ser despreciado en muchas ocasiones
por los más clasicistas o tradicionalistas.

Habiendo prescindido de muchas de las reglas del jazz
tradicional (aunque el free jazz no tiene por qué ser
atonal o carecer de un ritmo más o menos estable),
su éxito se basa en el virtuosismo musical y la imaginación
improvisadora de los intérpretes, de quienes depende que
la música sea percibida como razonablemente lógica
o
simplemente
arbitraria.
Artistas destacados:
• Ornette Coleman
• John Coltrane
• Eric Dolphy

 
 
 
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LA HISTORIA DEL JAZZ. HARD BOP

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Tras el bebop, hacia finales de los 40, aparecieron
las corrientes que fueron definidas como cool ,
estilo West Coast y third stream.
Esos tres movimientos con frecuencia mezclados entre sí,
se caracterizaron por un enfoque relativamente clásico
del instrumento, un rechazo de los efectos
expresionistas, la introducción de instrumentos que
hasta entonces habían sido exclusivos del dominio
clásico, tales como trompa, fagot, flauta, etc., con la
incorporación
de
elementos
de
la
música
contemporánea.

Una vez mas los músicos negros iban a sentirse
defraudados, de la misma forma, o incluso tal vez
más que durante el período Swing (con Benny Goodman):
con la excepción de Miles Davis y el pianista John Lewis,
en estas corrientes las grandes figuras fueron todos
músicos blancos.

De esta forma, la dura revolución bebop había sido
recuperada y desnaturalizada. Algunos músicos negros
reaccionarían contra lo que veían como un desvío
al que se sometía su propia música.

A fin de revitalizar/virilizar el jazz, sus preocupaciones
oscilaron, en sus temas, entre una mezcla reactualizada
de gospel y blues, del que saldría el estilo funky (soul),
las conquistas revisitadas del bebop y el regreso al
expresionismo (Charles Mingus, Cannonball Adderley).
Es por ello que resulta imposible disociar al hard bop
del funky.

Si desde 1951 Miles Davis (ayudado por Sonny Rollins)
da inicio al espíritu hard bop, es en 1953
(con la constitución de los Jazz Messengers por parte
del pianista Horace Silver y el baterista Art Blakey)
y 1954 (con los quintetos de Silver y
Clifford Brown-Max Roach) donde hay que ubicar el
verdadero punto de partida de esas dos corrientes
indisociables.

Las secciones rítmicas son más homogémeas y más ágiles
que en los comienzos del bebop, dando preponderancia al
rigor del tempo, sin por ello poner freno a la invención.
Surgió una pléyade de excelentes rítmicos, tales como
los bateristas Philly Jo Jones, Roy Haynes,
Jimmy Cobb, que estaban en condiciones de rivalizar
con sus colegas mayores como Kenny Clarke, Max Roach,
Art Blakey.

Frente a los contrabajistas Oscar Pettiford y Ray Brown,
se reafirmaron otros más jóvenes como Paul Chambers,
Charels Mingus, Percy Heath, etc Mientras que entre los
pìanistas, la síntesis de las dos corrientes principales de este
estilo (bebop y blues) se presentaba con mayor claridad.
Horace Silver, Junior Mance, Bobby Timons, Wynton Kelly,
Red Garland etc se hicieron eco, en mayor o menor
medida, del influjo de Bud Powell, al tiempo que eran
magnificos intérpretes de un blues muy cargado de soul,
de la misma forma que los guitarristas Wes Montgomry,
Kenny Burrell o Grant Green.

Entre los melodistas se distinguieron los trompetistas
Clifford Brown, Lee Morgan, el Miles Davis muy veloz de
principios de los años 50, Blue Mitchell, Donal Byrd,
los
trombonistas
Curtis
Fuller
Y
Luego
Slide
Hampton.
Los saxofonistas de valía, relativamente escasos en la
época del bop - tal vez como consecuencia de la extraordinaria
preponderancia de Charlie Parker-, habían finalmente asimilado
la lección de este y realizaron un masivo acto de presencia:
los saxos altos de Jackie McLean, Cannonball Adderley,
Phill Woods, los tenores de Sonny Rollins, John Coltrane,
Dexter Gordon, Benny Golson, Johnny Griffin, Harold Land;
el barítono Pepper Adams, etc. A partir de los años 60,
aparecería una nueva ola de hard boppers.

Estos músicos, más maleables, asimilarían también las delicias
del color modal, los delirios del free jazz, incluso, mas tarde,
los excesos del free jazz, bajo la protección de algunos
músicos de la generación anterior, tales como John Coltrane,
Miles Davis, Charles Mingus, Sonny Rollins.

Se trata de músicos como Booker Little, Freddie Hubard,
Woody Shaw (tp), Eric Dolphy (sa, clb, fl), Wayne Shorter,
Clifford Jordan, Joe Henderson, Roland Kirk (st),
Herbie Hancock, Cedar Walton, Mal Waldron,
Randy Weston (p). Richard Davis, Reggie Workman,
Ron Carter (cb), Elvin Jones, Billy Higgins, Tony Williams (bat).

A partir de 1975 se produciría una suerte de revival del
hard bop, por ejemplo con las giras de los all starsVSOP
(grupo integrado por Hancock, Freddie Hubbard,
Wayne
Shorter,
Ron
Carter
Y
Tony
Williams.

En los 80 los Messengers de Art Blakey, siempre en la brecha,
continuaban siendo una sorprendente cantera de músicos
que no habían cumplido aún los veinte años, originarios muchos
de ellos de Nueva Orleans, tales como los hermanos Marsalis,
Terence
Blanchard,
Wallace
Rooney.

Artistas destacados:
• Art Blakey
• Miles Davis
• John Coltrane
• Charles Mingus
• Thelonious Monk
• Sonny Rollins
• Clifford Brown
• Dexter Gordon

 
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LA HISTORIA DEL JAZZ. JAZZ DE LA COSTA OESTE

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West Coast jazz jazz de la Costa Oeste) es un estilo


del jazz que se desarrolló desde Los Angeles, California,

en la misma época en que el hard bop se desarrollaba

en Nueva York, en los años cincuenta y sesenta.

El West Coast jazz se considera habitualmente como

la corriente principal del cool. Aunque este estilo tuvo

éxito durante un tiempo, y lleva el nombre que lleva,

no fue ni mucho menos el único estilo tocado en la

Costa Oeste estadounidense. Pacific Jazz Records y

Contemporary fueron dos de las compañías que prestaron

más atención al estilo, en medida similar a cómo

Blue

Note

Lo

Fue

Para

El

Hard

bop.



Características:



El West Coast jazz se caracteriza por ser un estilo

menos frenético, más calmado, que el hard bop.

El West Coast, tuvo una especie de leyenda negra,

divulgada por críticos como el francés Hughes Pannassié,

desde una perspectiva conservadora, y otros críticos

desde la visión opuesta, precisamente por algunas

de

sus

caracterísitcas:



Es un estilo que “renuncia” a algunos de los hallazgos

del Be Bop, especialmente en la pulsión del ritmo

y en la forma de abordar los arreglos, para volver a

conceptos del Swing. Aunque, en realidad, lo que

hubo fue un desarrollo de las formas más avanzadas del

swing, especialmente bajo la influencia de

Lester Young, para adoptar las innovaciones del

Be

Bop

De

Forma

Original

Y

autónoma.



Según Pannassié y otros, es un “jazz de blancos”,

acomodados y bien asentados en lugares tan poco

“undergrounds” como la playa de Hermosa Beach.

Ciertamente, un porcentaje muy apreciable de los

músicos del género eran blancos, pero en el estilo

hay un buen número de creadores de origen

afroamericano que han sido indispensables en su

desarrollo: El contrabajista Victor Gaskin ,

los saxofonistas Curtis Amy , Buddy Collette o

Teddy Edwards , el magnífico y poco recordado

trompetista Dupree Bolton ,el pianista Hampton Hawes,

el batería Chico Hamilton , y el guitarrista Ray Crawford ;

además, por supuesto, de John Lewis (p),

Wayne Henderson (tb) y, en ciertos momentos,

El

Propio

Clifford

Brown



Otra característica del género, fue su éxito comercial,

facturando discos que se vendían por millones:

Es el caso de Dave Brubeck y Paul Desmond ,

con su triunfal “Take Five” (incluido en el disco Time Out).

También facturó un buen número de copias de su

“West Coast Jazz” , el saxo tenor Stan Getz ,

que después arrasaría con su fusión brasileña.

Además del exitoso “Peter Gunn” de Henry Manccini ,

que se tiró de cabeza al estilo, con repercusión mundial.

Otro grupo que consiguió bastante repercusión,

fue el cuarteto sin piano de Gerry Mulligan y Chet Baker,

a

comienzo

de

los

años

1950.







Artistas destacados:

• Art Pepper

• Lennie Tristano

• Henry Mancini

• Dave Brubeck

• Paul Desmond

 
 
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LA HISTORIA DEL JAZZ. ESCUELA TRISTANO

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Nacido en el seno de una familia de inmigrados italianos,
el compositor y pianista, Lennie Tristano, tuvo una infancia
marcada por una grave enfermedad congénita en los ojos,
que le provocó una ceguera total a los nueve años de edad.

Matriculado en una escuela para invidentes, allí recibió
sus primeras nociones musicales aprendiendo el manejo
de media docena de instrumentos.
Recomendado por su profesor al "American Conservatory"
De
Chicago,
Tristano,
Consiguió
El
Titulo
En
1941.

Su inclinación hacia el jazz, en vez de a la música clásica,
fue por la necesidad de hacer dinero y también, como no,
por el efecto que causo en él la música de
Duke Ellington y otros pianistas importantes del jazz.
En 1942, firmó su primer contrato profesional para tocar
el saxo y el clarinete en el "Winkin' Pub" de Chicago.

En esos primeros tiempos, su técnica individual era
extraordinaria y en 1944, era capaz ya de interpretar con
eficacia cualquier tema de Art Tatum.

El debut discográfico de Lennie Tristano, fue en 1945-1946
con una sesion de piano solo para el sello Emarcy titulado
"Holiday in Piano" y cuya salida al mercado fue una
autentica sensación.

Sus siguientes trabajos para el sello Capitol, ya a finales
de la década de los cuarenta, fueron su respaldo definitivo
en el mundo del jazz y su nombre se asociaba al piano
moderno de jazz a imagen y semejanza de lo que era
Charlie Parker en el saxo alto.
Sus temas: "Wow", "Crosscurrents" y "Marionette"
constituyeron un hito en la historia del jazz, por su complejidad
y
su
modernidad.

Su música y el momento histórico en que se gestó, provocó
que se le asociara con el denominado estilo cool,
algo que Tristano siempre rechazó.
Su escasa discografía está repleta de grandes obras maestras,
y siempre rechazó cualquier veleidad de comercializar su
música y los intentos de su casa discográfica para vender
mejor su música.
En 1947, junto al guitarrista, Billy Bauer y con
el contrabajista, Arnold Fishkin, formó su primer trío jazzistico
debutando en el "Three Deuces" de New York.
En 1949 y 1950, Tristano participó en las grabaciones
de los músicos vencedores en el famoso referéndum de la
revista "Metronome" y al año siguiente fundo su propia
casa de discos, "Jazz Records" a la que solo aportó dos
nuevos discos.

Los años siguientes fueron años de sequía que
solo fueron interrumpidos brevemente para participar
esporádicamente en conciertos en New York, Chicago,
Boston, Washington y Montreal. En 1955, vuelve a grabar
con Atlantic y graba otra de sus obras maestras
con
el
tema
"Réquiem"
En
Homenaje
A
Charlie
Parker.

Esa vuelta a los estudios de Atlantic descubrió un pianista
mas incisivo respecto a pasados trabajos y una creciente
libertad arquitectónica.
En 1962 graba tras un silencio prolongado otro disco
para Atlantic y su música nuevamente se nota mas
avanzada en su estructura rítmica.

En 1965 realizó una gira por Europa muy aplaudida
y a la vuelta a los Estados Unidos tomó la decisión de
retirarse, cuestión que solo rompió en un par de
ocasiones para presentar en sociedad a nuevos discípulos
suyos y en un concierto aislado en 1969 en Leeds,
en Inglaterra, que fue el último de su vida.

Ni las presiones de los productores discográficos,
ni la insistencia de la prensa en entrevistarle fueron
suficientes para sacarle del ostracismo publico que
eligió, y falleció en plena actividad docente en su casa
de
Queens
En
New
York.

Tras su desaparición física, sus alumnos decidieron
continuar con la actividad en su escuela de jazz y
revitalizar su sello discográfico.
Un merecido homenaje a Lennie Tristano, uno de los
grandes pianistas del jazz moderno.

 
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LA HISTORIA DEL JAZZ. THIRD STREAM

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El Third Stream (o Tercera Corriente) es un movimiento
dentro del jazz que comenzó a ser tocado en los '50 e
intentó
mezclar
elementos
del
jazz
con
la
música
clásica
europea.
Es así como los representantes de cada uno de los dos
universos musicales sueñan con adaptar a su trabajo
los medios y las virtudes del otro.
Aunque ya se habían realizado unas experiencias
semejantes de mezcla de sonidos por George Gershwin
(Rhapsody In Blue, 1924), Woody Herman
(Ebony Concerto de Igor Stravinsky, 1946) o Stan Kenton
(City Of Glass de Bo
b Graettinger,1948), es durante la
segunda mitad de los años cincuenta, luego de la muerte
de Charlie Parker y en la época de las primeras
manifestaciones del free jazz, cuando compositores,
improvisadores, jazzmen, y músicos clásicos intentan
adaptar las virtudes del otro estilo al propio:
por parte de la gente del jazz,el bojetivo era ampliar
los limites de su campo de acción, integrando, en sus
métodos de composición e improvisación, formas y
procedimientos de la tradición clásica europea
(fuga, concerto grosso...) o de sus adquisiciones
mas recientes (atonalismo, dodecafonismo) y fórmulas
orquestales hasta entonces poco empleadas en el jazz
(cuarteto
De
cuerdas).

Gunther Schuller (trompetista, compositor, director
de orquesta, profesor y musicólogo norteamericano)
y John Lewis (pianista, compositor y arreglista
norteamericano, fundador del Modern Jazz Quartet)
fueron los principales iniciadores del Third Stream.
Schuller se convirtió en el teórico principal,
hasta el punto de crear un departamento
"Third Stream" en el New England Conservatory de
Boston cuyo responsable el pianista y compositor
Ran Blake, ampliaría esa noción a todo enc
A lo largo de los años 70 y 80, varios músicos
afroamericanos surgidos del free jazz (Ornette Coleman,
Anthony Braxton, James Newton) comenzaron a ampliar
su paleta orquestal hasta alcanzar dimensiones de
orquesta sinfónica y a buscar nuevos equilibrios entre
composición e improvisación en producciones
que no representan tanto una actualización del
Third Stream y de los fantasmas de la armonía universal,
como una explotación, por parte de la música negra,
de todos los medios y libertades que comprenden
también su background histórico.

 
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LA HISTORIA DEL JAZZ. COOL

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La década de los cincuenta comenzó alumbrando su
propio estilo inaugurando la segunda mitad del siglo XX
con una música nueva que los hombres del jazz,
bautizaron como "cool" -en ingles "fresco"-.

La feliz colaboración entre el trompetista Miles Davis,
y el compositor Gil Evans, determinó las aparición del
llamado estilo cool.
Al mismo tiempo, un pianista blanco llamado Lennie Tristano,
mostró sus propias y todavía mas radicales soluciones de
continuidad para el jazz moderno.

Ambas aventuras, hermanadas con el bebop, tenían
en común una expresa preocupación formal, así como un
destacado protagonismo de músicos de raza blanca.

El corpus de toda esa música lo constituyen los doce
temas de la versión completa del disco
"Birth Of The Cool", continuamente reeditado y producto
de pacientes y continuas sesiones de investigación
e intercambio de ideas desarrolladas entre el
compositor canadiense y el trompetista de Alton.
Gil Evans, procedía musicalmente hablando, de la
orquesta de Claude Thornhill y Miles Davis, y con tan solo
24 años, contaba con el privilegio de haber sido uno
de los partners de Charlie Parker y un músico clave en
el equilibrio de la música bop.

La primera "tuba band" -después llamada Orquesta
o Noneto Capitol-, actuó en septiembre de 1948 en el
Royal Roost de New York durante dos semanas y despertó
poco interés del publico y mucho entusiasmo por
parte de la critica.

Aquellos primeros escarceos todavía estaban influenciados
por el clima nervioso del imperante bebop.
Las tres sesiones del Noneto Capitol grabadas entre
enero de 1949 y marzo de 1950, capitaneadas por
Miles Davis, pero donde la parte del león se la
llevan los arreglistas y compositores, causó una impresión
tan viva que fue inmediatamente imitada, sobre todo en la
Costa Oeste de Estados Unidos cuya semilla germinó
en uno de los dos pilares básicos de lo que se dio en llamar
el "Wes Coast Jazz". El secreto de aquélla música, irrepetible
no por la ausencia física de sus protagonistas, sino por que
corresponde en un sentido histórico y estilístico a una
época de recapitulación y reflexión sobre el acervo del jazz,
era la perfecta ejecución en grupo, la disciplina de sus músicos,
la imaginación en inventiva de los solos y el carácter reflexivo,
lírico e introspectivo de la música.

El
Cool
Dio
Al
Jazz
Una
Nueva
Visión
Musical
De
Enorme
importancia.

Artistas destacados:
• Miles Davis
• Lennie Tristano
• Gil Evans

 
 
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LA HISTORIA DEL JAZZ. BOSSA NOVA

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Bossa-nova, estilo musical de origen brasileño que
surgió a fines de los años cincuenta, impulsada
por un grupo de estudiantes y músicos de clase media
procedentes de Copacabana e Ipanema, en los barrios
de Rio de Janeiro situados junto a la playa.

El nombre se puede traducir como "el ritmo nuevo"
o "el camino nuevo " aunque etimológicamente significa
"voz nueva".
Se hizo muy conocida en Brasil gracias a la grabación
de "Chega de Saudade", interpretada por João Gilberto
y compuesta por Antonio Carlos Jobim y Vinicius de Moraes,
tres
de
los
principales
exponentes
de
este
género.
En
Brasil.

No hay un consenso que reconozca la bossa-nova
como un movimiento.
Sin embargo, este estilo es reconocido por su importancia
dentro de la historia de la música brasileña.

Recogió los rasgos distintivos de la samba callejera,
estridente y ardiente, para quitarle decibelios,
fervor y tambores, y llevarlo a espacios más reducidos
donde se pudiera escuchar en plena tranquilidad.

Surgieron nuevas y sofisticadas armonías, con
irregularidades que tenían una relación directa con
el espíritu de la música de posguerra estadounidense,
entre ellas el jazz.
Las letras y la música mantenían además una estrecha
relación entre sí, aunque su característica principal es
el ritmo, de raíz brasileña.

La bossa-nova se hizo tremendamente popular en
Brasil y en otras partes de Latinoamérica, aunque su
éxito internacional estuvo limitado a pequeños
periodos de tiempo, como por ejemplo tras el estreno
de la película Orfeo negro o con los lanzamientos de los
nuevos trabajos de Stan Getz en los sesenta.

Gracias al descubrimiento que figuras estadounidenses
como Stan Getz o Charlie Byrd hicieron de la
bossa-nova, se produjo un importante intercambio cultural
entre estos músicos y otros como el precursor
Laurindo Almeida, Antonio Carlos Jobim, João Gilberto
o Astrud Gilberto, generando así una nueva rama de la
síncopa que se basó en los esquemas de la música
brasileña.

Quizás la canción más conocida de la bossa-nova es
"La Chica de Ipanema" (A Garota de Ipanema) de
Antonio Carlos Jobim, conocida a lo largo y ancho del
mundo tanto en su versión original portuguesa como
en
su
traducción
al
inglés.

“Bossa-Nova” significa “bossa nueva”.
Por otra parte, la palabra “bossa”, usada aisladamente,
ya era común en Brasil, antes de la creación del género
musical, refiriéndose al encanto particular, al “estilo”,
“instinto” o capacidad natural.

Es así como fue de uso frecuente por los músicos antes
de la grabación de “Chega De Saudade”. En 1932,
 Noel Rosa utilizó la palabra en una samba… cuando
 expresó "O samba, a prontidão e outras bossas
/São nossas coisas, são coisas nossas"
(la samba, la determinación y otras bossas/son nuestras
especialidades.)” En los finales de los años 50 y el
principio de los años 60 solamente los jóvenes usaban el
término Bossa Nova en su modismo para definir cualquier
cosa nueva, o estilo nuevo, pero cuando la canción

“Presidente Bossa Nova” del artista Juca Chaves se
volvió un gran éxito en la radio, el término llegó a
estar muy de moda y fue utilizado libremente por cada uno.
Para la nueva manera de realizar la samba surgió él
término originalmente llamado "Samba Bossa Nova"
y luego, poco más tarde, solo "Bossa Nova".

Nadie puede alegar saber con exactitud cual fue el
origen del término “Bossa-Nova”. Lo más probable es
que el término “BOSSA” fuera usado para referirse a
cualquier nueva “tendencia” o a la tendencia de moda
dentro de la cultura-costera artística de los últimos
50 años en Río de Janeiro.

El término finalmente llegó a ser conocido y ampliamente
utilizado para referirse a un nuevo estilo de la música,
a una fusión de la samba y a jazz, cuando los creadores
aplicaron a su nuevo estilo el término como “la nueva cosa”.

Era probable usar el término “Bossa-Nova” entonces como
referencia genérica a lo que hacían en la música en ese
entonces, que no tenía ningún nombre particular todavía.
Sin embargo, el término se arraigó como la definición
de su propia creación artística específica, que se
conocía como “Bossa-Nova” o luego simplemente
como
“Bossa”,
Como
Lo
Conocemos
Hoy
En
día.

La bossa-nova se toca normalmente con guitarra clásica,
cuerdas de nylon y con los dedos (sin púa).
En su forma más pura basta con la guitarra sin
acompañamiento y la melodía cantada, como puede
escucharse en numerosas interpretaciones de João Gilberto.

Incluso en los arreglos de jazz de más envergadura,
que se hacían para grupos hay casi siempre una
guitarra que lleva el ritmo principal.

Aunque no sea tan importante como la guitarra,
el piano es otro de los instrumentos que se usan en
la bossa-nova; Jobim escribió para el mismo e interpretó
en él en la mayor parte de sus grabaciones.

El piano ha servido también como puente estilístico entre
la bossa-nova y el jazz, permitiendo que estos dos géneros
se influencien el uno al otro. Los tambores y la percusión
no se consideran una parte esencial, de la instrumentación
en la bossa-nova (y de hecho los creadores tendían a
prescindir de ellos), aun así hay un estilo de percusión
definido en la bossa-nova, caracterizándose por continuas
octavas en los timbales (imitando la pandereta de
la samba) y golpeando ligeramente el aro,
generalmente
a
contratiempo.

Artistas destacados:
• Vinicius De Moraes
• Joao Gilberto
• Antonio Carlos Jobim
• Toquinho

 
 
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LA HISTORIA DEL JAZZ. LATIN JAZZ O AFROCUBANO

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Latin jazz es el término general dado a música
que combina melodías Africanas y Latino Americanas
con jazz proveniente de Estados Unidos.
Las dos principlaes categorías del Latin Jazz son la Brasileña
Y
La
Afro-Cubana.
El
Latin
Jazz
Brasileño
Incluye
El
Bossa
Nova
Y
La
samba.

El Jazz Afro-Cubano incluye salsa, merengue, songo,
son,
mambo,
bolero,
charanga
y
cha
cha
cha

El Latin Jazz se originó a finales de los Años 40
cuando Dizzy Gillespie y Stan Kenton comenzaron
a combinar el ritmo y la estructura de la música
Afro-Cubana, ejemplificada por Machito y sus
Afro-Cubanos,
Con
Instrumentos
De
jazz.

En comparación con el Jazz Americano, el Latin Jazz
emplea un ritmo fijo, parecido al ritmo swung.
Latin Jazz raramente emplea un compás tocado
en cuatro, pero usa una forma de clave.
La conga, el timbal, güiro, y claves son instrumentos
De
Percusión
Que
Contribuyen
Al
Sonido
Latino.

Artistas destacados:
• Dizzy Gillespie
• Chucho Valdés
• Paquito D'Rivera



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LA HISTORIA DEL JAZZ. BEBOP

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El bebop es un estilo musical del jazz que se desarrolla
en la década de los cuarenta del siglo XX;
cronológicamente sucede al swing (jazz) y precede al cool.
Sus iniciadores fueron Dizzy Gillespie, Charlie Parker,
Max Roach y Thelonious Monk.

Al llegar a los años 40, el swing se encontraba
musicalmente en un callejón sin salida.
Muchos músicos estaban frustrados por las limitaciones
que suponía tocar en grupos grandes, y empezaron a
buscar formas de expresión nuevas y originales.

La generación más joven del jazz, sobre todo Parker y
Gillespie, optaron por reírse abiertamente de las normas.
La respuesta de Gillespie al aburrimiento de la rutina
del swing fue tocar a un ritmo furioso y llenar el breve
solo que se le concedía en la orquesta con tantas
ideas
armónicas
y
melódicas
como
podía.

El bebop revolucionó el jazz.

Era diferente al swing en dos cosas. En primer lugar,
lo interpretaban grupos pequeños en los que el batería
y el bajo estaban equiparados musicalmente con los
trompetistas y pianistas que tocaban los solos.

En segundo lugar, el bebop era una música mucho más
compleja. Ponía un énfasis mucho mayor en la
interpretación de diferentes ritmos a la vez;
era rápido y frenético, y la improvisación era parte
de su esencia.

Requería también una experta interacción entre
los miembros del grupo, destacando a la vez las
habilidades
de
los
músicos
individuales.

Muchos beboppers se movían entre los que habían
sido expulsados hasta los márgenes de la sociedad:
poetas, gays, artistas, traficantes de drogas y chulos.

Muchos se describían a sí mismos como beats,
un diminutivo de 'beatitud', los benditos oprimidos de la
sociedad; el Bebop tiene una estrecha relación con
el movimiento literario estadounidense denominado
Generación Beat; igual que pasó con la mayor
parte de formas artísticas innovadoras y excitantes,
la
mayoría
de
loc
críticos
de
jazz
condenaron
el
nuevo
estilo.

El bebop evolucionó a una gran velocidad.

Esta creatividad fue posible gracias al entorno en el
que se interpretaba. Músicos de diferentes grupos
se reunían para tocar juntos o para enfrentarse
en duelos musicales.
Al tocar juntos, los músicos compartían entre ellos
sus conocimientos musicales y sus trucos, lo que permitía
que
la
música
siguiera
evolucionando.

En cualquier caso, el bebop jamás llegó a ser tan popular
como el swing.
En primer lugar porque en el momento fuerte de la
revolución bebop, en 1942, el Sindicato de Músicos prohibió
a los músicos grabar para protestar por la falta de
ingresos por la música reproducida en la radio y en las
gramolas; la consecuencia es que mucha de la mejor
música del momento no fuese grabada.

En segundo lugar porque no era una música fácil como
el swing, sino creativa e impredecible.
El gran público prefería la música de entretenimiento
y espectáculo, por ejemplo la de los cantantes de baladas
modernos como Sinatra, Crosby, etc.. Por otro lado,
la música negra que estaba empezando a atraer
a las masas era el Rhythm & Blues, grupos
pequeños
y
de
música
popular
de
donde
surgiría
el
rock
and
roll.

Artistas destacados:
• Charlie Parker
• Dizzy Gillespie
• Bud Powell
• Charles Mingus
• Max Roach



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LA HISTORIA DEL JAZZ. MAINSTREAM

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La corriente principal del jazz o "mainstrean" define en
el sentido genealógico de la palabra, las grabaciones y
los músicos determinantes en la historia del jazz y que
conforman una estirpe de continuidad desde principios
del siglo XX hasta nuestros días.

King Oliver con su "Creole Jazz Band" en 1923;
Louis Armstrong con sus "Hot Five" y "Hot Seven" de
1925/1928; Jelly Roll Morton con sus
"Red Hot Peppers" 1926/1928; las actuaciones de Duke Ellington
en el Cotton Club entre 1927 y 1931; las grabaciones de
Charlie Parker y Dizzy Gillespie de 1945 para Savoy Dial;
las doce tomas del Noneto Capitol de Miles Davis en
1949/1950 o el disco de Ornette Coleman titulado
"The Shape of Jazz to Come" de 1959, son eslabones
de una cadena que llega hasta el jazz que hoy conocemos.

Gunther Shuller, uno de los mas respetados musicólogos
del jazz dejó dicho de Louis Armstrong lo siguiente:
"Cuando el 28 de junio de 1928 improvisó, con una
espectacular serie de frases en cascada, su introducción
de "West End Blues", dejó trazada la principal dirección
estilística que el jazz seguiría durante varias décadas
posteriores.

Mas aun, esta improvisación dejó muy clareo que el jazz
ya no podría volver a ser considerado como una
muisca folklórica o de entretenimiento.

Aquella extraordinaria actuación anunciaba que el jazz
tenía suficiente potencial como para competir con cualquier
otra expresión musical de alto rango conocida hasta entonces".
El mundo del jazz tuvo que esperar a la llegada de
Charlie Parker para volver a oír cosas similares.
Allí
Quedó
Trazado
El
Camino
Principal
Del
Jazz
O
"mainstrean".

Artistas destacados:
• Charlie Parker
• John Coltrane
• Miles Davis
• Duke Ellington
• Louis Armstrong
• Ornette Coleman



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LA HISTORIA DEL JAZZ. SWING

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Nadie sabe explicar con certeza de que se trata, pero si
el swing no aparece, la música - como proclamaba a los cuatro
vientos, el maestro Edward Duke Ellington, con su
"It Don't Mean A Thing", no merece la pena.

Técnica y físicamente, el swing corresponde al balanceo
de un tiempo a otro del compás que genera una sensación
dual de tensión-relajación que se produce alternativamente
a cada golpe de ritmo.

Por situarlo en el tiempo, el swing nace en 1924 cuando
un joven cornetista de New Orleáns, llamado Louis Armstrong,
se incorpora a la banda de Fletcher Henderson.
En aquella banda había un arreglista llamado Don Redman
que fue quien escribió los arreglos para el sonido sinuoso
y rítmico de aquella corneta.

Sin embargo fue el clarinetista Benny Goodman quien se
llevó los laureles cuando en 1938, tras su histórico y
memorable concierto en el Carnegie Hall de New Cork
fue aclamado por publico y medios de comunicación como
"El rey del Swing", y paradojas de la vida, tocando las
composiciones que Fletcher Henderson creó con anterioridad
en su banda.

Por otra parte, la palabra "swing" fue desprovista de su
autentico significado cuando a mediados de los años treinta,
fue utilizada por los medios de comunicación para designar
de forma genérica, con propósitos promociónales y publicitarios,
al estilo de jazz imperante en esa época dorada de las grandes
orquestas.

El swing murió oficialmente en 1945, coincidiendo con la
depresión económica de la II Guerra Mundial.
Ya no había dinero para sostener a los músicos que
componían las grandes orquestas, y sólo en un par de meses,
se
disolvieron
más
de
cincuenta
big
bands.

Artistas destacados:
• Louis Armstrong
• Bix Beiderbrecke
• Duke Ellington
• Glenn Miller
• Tommy Dorsey
• Benny Goodman

 
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LA HISTORIA DEL JAZZ. KANSAS CITY Y CHICAGO

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Tanto la ciudad de Kansas como Chicago fueron destino
de muchas bandas y músicos del jazz provenientes
de
New
Orleans.
Ambas ciudades tenían mucho público que adoraba el jazz,
por ello los músicos allí se sentían a gusto y conseguían
trabajo
fácilmente.

Charlie Parker es oriundo de Kansas.

 
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LA HISTORIA DEL JAZZ. DIXIELAND

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El Dixieland es uno de los estilos de jazz-hot,
con predominio de los instrumentos de metal
y
de
la
improvisación.

Es un estilo originario de Nueva Orleans, que aparece
a principios del siglo XX y se mantiene hasta la
época de los años treinta, conociendo un revival hacia
mediada
la
década
de
los
40.

Características: tres instrumentos destacan sobre los
demás: la trompeta, el clarinete y el trombón.
El ritmo y la base armónica corren a cargo del contrabajo,
la batería, el banjo y el piano, aunque muchas veces toman
un papel protagonista (interpretado solos improvisados).

Generalmente este tipo de música se toca en la calle,
incluso se utilizaba para desfilar. En algunas ocasiones,
los instrumentos más pesados e imposibles de transladar
al aire libre, como el piano, el contrabajo, o la batería,
se sustituyen por la tuba y otros instrumentos de percusión,
como la caja y los platillos.

El dixieland, lo tocaban músicos blancos, que imitaban el
estilo "Nueva Orleans" , que lo tocaban preferentemente
músicos negros.
Por eso, mucha gente cree, erróneamente, que el "dixieland"
y el "New Orleans" es lo mismo.

 
 
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LA HISTORIA DEL JAZZ. NUEVA ORLEANS

Guerrero de la Mùsica

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Una gran cantidad de estilos regionales contribuyeron


al desarrollo inicial del jazz.

Probablemente el primer movimiento musical al que

comúnmente se denominó jazz (frecuentemente escrito

'jass' entonces) fue el desarrollado en el área de

Nueva Orleans, en Luisiana. La ciudad de Nueva Orleans

y las áreas circundantes siempre han sido un centro

musical regional.

Gente de diferentes naciones de África, Europa y

Latinoamérica contribuyeron al rico patrimonio musical de

Nueva Orleans. En la era colonial de Francia y España,

los esclavos tenían más libertad de expresión cultural

que los de las colonias inglesas que luego se convertirían

en los Estados Unidos.

En las colonias protestantes, la música africana era vista

como "pagana" y era comúnmente suprimida, mientras

que en Louisiana era aceptada.

Las celebraciones musicales africanas se siguieron

celebrando en "Congo Square" en Nueva Orleans hasta

por lo menos 1830, a las que también asistían blancos

interesados, y algunas de sus melodías y ritmos

fueron usados en las composiciones del compositor

Louis Moreau Gottschalk.

Además de la población esclava, Nueva Orleans también

tenía la mayor comunidad de gente de color libre en

Norteamérica, quienes se enorgullecían de su educación

y usaban instrumentos europeos para ejecutar música

europea y sus propias canciones de folk.

De acuerdo con muchos músicos de Nueva Orleans que

recordaban la época, las figuras clave en el desarrollo

del nuevo estilo fueron el extravagante trompetista

Buddy Bolden y los miembros de su banda.

Bolden es recordado como el primero en tomar el blues

-hasta el momento una música folclórica cantada y

acompañada por instrumentos de cuerda o armónica-

y arreglarlo para instrumentos de metal.

La banda de Bolden tocó blues y otras canciones,

"variando la melodía" constantemente (improvisando),

creando una sensación en la ciudad y rápidamente fueron

imitados por muchos otros músicos.

Hacia principios del siglo XX, viajeros que visitaban

Nueva Orleans remarcaban la habilidad de las bandas

locales para tocar "ragtime" con una vitalidad que no se

escuchaba en otros lados. Las características que apartaron

el temprano estilo de Nueva Orleans de la música ragtime

que se tocaba en otros lados fue la mayor libertar en la

improvisación rítmica.

Los músicos de ragtime le daban un ritmo sincopado y

ejecutaban una nota dos veces (a la mitad del valor de tiempo),

mientras que el estilo de Nueva Orleans usaba una

improvisación rítmica más intrincada a menudo colocando

notas lejos del golpe tácito (comparen, por ejemplo,

el piano de Jelly Roll Morton con los de Scott Joplin).

Los músicos del estilo de Nueva Orleans también adoptaron

mucho vocabulario del blues, incluyendo notas dobladas,

notas de blues y "gruñidos" instrumentales no usados

en los instrumentos europeos.

Las figuras clave en el desarrollo temprano del nuevo

estilo fueron Freddie Keppard, que dominó el estilo

de Bolden; Joe Oliver, que tenía un estilo más profundamente

basado en el blues que el de Bolden's; y Kid Ory,

un trombonista que ayudó a cristalizar el estilo con su

banda contratando a muchos de los mejores músicos

de la ciudad.

El nuevo estilo también fue dirigido a los jóvenes blancos,

especialmente a los hijos de inmigrantes de la clase

trabajadora, quienes adoptaron el estilo con entusiasmo.

Papa Jack Laine lideró una banda multi-étnica por la

que pasaron casi dos generaciones de músicos blancos de

jazz

de

Nueva

Orleáns

(y también una cantidad de

Gente

de

color).



Artistas destacados:

• Buddy Bolden

• Louis Armstrong



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LA HISTORIA DEL JAZZ. FUNK

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Funk es un género musical, muy popular durante los años
1970, que apareció en el ambiente nocturno de las
comunidades afroamericanas en Estados Unidos.

Nacido como una evolución de algunos elementos del soul ,
Hard rock y el jazz anteriores, el funk se consolidó como
un estilo propio y marcó el camino de la música bailable
de
ahí
en
adelante.

El instrumento fundamental en este estilo de música
es el Bajo, requiriendo una gran proficencia técnica
y la creación de líneas melódicas sobre las que se construyen
los arreglos del resto de los instrumentos.

Una técnica muy utilizada por los bajistas Funky es el "slap",
técnica patentada por el bajista de Sly & The Family Stone,
Larry Graham, y que consiste en golpear simultáneamente
las cuerdas del bajo con el pulgar y tirar doblada una cuerda
para
dar
un
toque
más
potente
a
la
línea.

La guitarra funk, por su parte, es muy diferente a una
metal o rock, dado que se basa en la utilización de acordes
simples alternadas con rasgueos secos, generalmente en
las cuerdas más agudas, utilizando eventualmente el pedal
de Wah Wah y/o efecto Flanger para dar un sonido más
percusivo
al
instrumento.

La batería tiene una métrica y síncopes característicos,
y es una de las partes más evidentes que se han
heredado del funk casi sin cambios desde sus inicios,
a través de las diferentes formas de música hip hop,
breakbeat y más tarde de música electrónica de baile,
pero
con
composiciones
más
repetitivas
y
marcadas.

Artistas destacados:
• Maceo Parker
• James Bown
• Herbie Hancock
• Prince

 
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LA HISTORIA DEL JAZZ. SOUL

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El soul es un estilo musical propio de la población
afroamericana de Estados Unidos dado a finales de los
años '50 y que gozaría de su mayor apogeo en la década
de los '60.

El género fue asimilado por la población blanca,
convirtiéndose en uno de los estilos más influyentes en la
música contemporánea de todo el mundo.
Con el tiempo el género derivó en estilos como el funk,
La
Música
Disco
O
El
Neo
soul.

El soul proviene de la combinación y unión de estilos
y subestilos anteriores, como el gospel y el
primerizo
R&B
De
1950's

El gospel es una tradición resultado de la mezcla de la
música indígena africana con influencias religiosas de
occidente.
El ingrediente de gospel en la música soul se hace
evidente en las emocionales, suplicantes y jubilosas
vocales
y
armonías.

El R&B era básicamente un estilo musical que alaba el
deseo puro, las necesidades físicas del hombre, la vida
terrenal... Esta oposición, que dio origen al soul, se refleja
en
su
amplia
diversidad
de
estilos.

Las secciones de ritmo al estilo del rock, vibrantes
arreglos de metales, ensambles sincronizados de
instrumentación y vocales, también fueron sellos
del
sonido
soul
clásico.

Artistas destacados:
• Aretha Franklin
• Ray Charles
• Stevie Wonder

 
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LA HISTORIA DEL JAZZ. STRIDE

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El Stride es un estilo de jazz/blues tocado en el piano.

Esta técnica fue originada en Harlem durante la Primera
Guerra Mundial por Luckey Roberts y James Johnson.
Este estilo estaba muy influenciado por el ragtime, pero
al ser un estilo de jazz, combinaba también improvisaciones,
blue notes (nota agregada a la escala pentatónica que le da
a
la
improvisación
unsonido
más
blusero)y
ritmos
con
swing.

La mano izquierda del pianista tocaba un pulso de 4 tiempos
por compás con las tónicas en el primer y tercer tiempo,
y un acorde en el segundo y el cuarto, mientras que la
mano derecha tocaba melodías, riffs o líneas
de
contrapunto.

El nombre "stride" (stride: dar grandes zancos) vienen del
movimiento de la mano izquierda, que viene y va por el
teclado.
La técnica del pedal varía el sonido de la mano izquierda.
El Stride es uno de los estilos de piano jazz más difíciles
de tocar, lleva años dominarlo, y suele ser confundido
con
otros
estilos
de
piano
jazz.

Para tocar Stride es obligatorio entender la dinámica de
una
canción,
las
tensiones
y
los
reposos.

Artistas destacados:
• Art Tatum
• Duke Ellington
• Joe Turner

 
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LA HISTORIA DEL JAZZ. BLUES

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El Blues es un estilo musical vocal e instrumental, basado
en la utilización de notas de blues y de un patrón repetitivo,
que suele seguir una estructura de doce compases.

En Estados Unidos se desarrolló en las comunidades
afroamericanas, a través de los Spirituals, canciones de oración,
canciones de trabajo, rimas inglesas, baladas escocesas e
irlandesas narradas y gritos de campo.

La utilización de las notas de blues y la importancia de los
patrones de llamada y respuesta, tanto en la música como
en las letras, son indicativos de la herencia africana-occidental
de este estilo.

El blues influyó en la música popular estadounidense y occidental
en general, llegando a formar parte de géneros musicales como
el ragtime, jazz, bluegrass, rhythm and blues, rock and roll,
hip-hop, música country y canciones pop.



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LA HISTORIA DEL JAZZ. RAGTIME

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La música que llamamos jazz, surgió bastante antes que el
disco de jazz; sin embargo, desde el ultimo cuarto del siglo XIX,
el jazz estaba incubándose en el estado sureño de Louisiana
(EE.UU.) en torno a un proceso largo y complejo que intentaba
superar la rigidez rítmica y adquirir el sello del swing.

Uno de los elementos genealógicos mas decisivos junto al blues,
que no ha dejado de estar presente a lo largo del jazz,
fue el ragtime.
Los rags, aunque se tocaban sobre toda clase de instrumentos, fueron esencialmente una especialidad de pianistas. Su apogeo se sitúa entre
finales del siglo XIX y las dos primeras décadas del XX.

Los rags era una música de procedencia europea con un estrecho
parentesco con los bailes y marchas.
En realidad el ragtime no puede ser considerado como jazz.
Los rags estaban totalmente escritos y excluían la improvisación,
pero constituyeron un punto de partida clave para la aparición
de los primeros estilos pianísticos de jazz, en particular el estilo
stride.

Los pianistas criollos y negros de aquella zona, cuyo eje
geográfico era New Orleáns como consecuencia del cruce de
culturas (española, francesa, anglosajona y africana)
desarrollaron sus acentuaciones rítmicas y la independencia
entre ambas manos sobre el teclado sirvió para comenzar a
introducir variaciones.

La incorporación de la tradición del blues y el hecho de tener
que tocar para el baile favorecieron el desarrollo del piano-jazz
Corresponde a James Price Johnson (1881-1955) el merito de
haber sido el máximo artífice entre la evolución del ragtime
al jazz.

El jazz estaba ya preparado para experimentar el gran salto
de una música bailable y entretenida a una manifestación
musical de enorme potencial, y James P. Johnson sintió ya
en los años treinta, que la música que hacia pertenecía al
pasado, pero sus manos inspiraron, décadas mas tardes,
a figuras del jazz de la talla de Fats Waller,
Willie "The Lion" Smith, Count Basie, Duke Ellington,
Art Tatum e incluso a Thelonious Monk.

 
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LA HISTORIA DEL JAZZ. GOSPEL

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La música gospel, en su definición más restrictiva, es la
música religiosa que surgió de las iglesias afroamericanas
en los años 1930.
Más generalmente, suele incluirse también la música religiosa
compuesta y cantada por cantantes cristianos sureños,
independientemente de su raza.

La música gospel, a diferencia de los himnos cristianos, son
de carácter ligero, en cuanto a música.
La palabra original es GodSpell en castellano traduce el
llamado de Dios.

A esta forma de cantar se le denominó así, ya que era un
canto evangélico, para invitar a las personas hacia Dios;
A través de sus letras, que reflejaban una vida Cristiana y
entregada al Señor.

La fuerte división entre blancos y negros en EE.UU.,
especialmente entre iglesias de blancos y las de negros,
ha mantenido separadas ambas ramas del gospel, aunque
esta separación nunca fue absoluta (ambas parten de los
himnos metodistas y los artistas de una tradición cantan a
veces canciones de la otra), y dicha separación ha disminuido
ligeramente en el último medio siglo.

Es un género musical caracterizado por el uso dominante de
coros con un uso excelente de la armonía; las líricas son de
naturaleza religiosa particularmente Cristiana.
Entre los subgéneros se incluyen el Gospel tradicional, Reggae
Gospel y Gospel Negro, y el gospel moderno también conocido
como alabanza; la mayoría de las formas contemporáneas del
Gospel usa tambores, guitarras y bajos eléctricos.

En ambas tradiciones, algunos intérpretes, como Mahalia Jackson,
se han limitado a actuar sólo en contextos religiosos, mientras
que otros, como el Golden Gate Quartet, Reverend Timothy Wright
y Clara Ward, lo han hecho en otros lugares, incluyendo clubes
nocturnos.

Muchos hacen música tanto religiosa como secular, como
Al Green, Solomon Burke o Aretha Franklin; es habitual que
ntroduzcan canciones religiosas en actuaciones seculares.

 
 
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LA HISTORIA DEL JAZZ. ESPIRITUALES

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Un espiritual (traducción de la expresión inglesa spiritual song)
es un tipo de canto religioso que surge durante el siglo XIX
en los Estados Unidos.
Los espirituales son adaptaciones populares de los himnos
religiosos protestantes hechas, fundamentalmente, por
afroamericanos.

Son los antecedentes musicales del gospel. Puede ser música
colectiva (coral) o individual (vocal solista).
Cuando se da el primer caso suele ser más sencillo, mientras
que en el segundo suele
ser
más
virtuoso.

El canto de los himnos religiosos constituía la esencia del
canto litúrgico en América del Norte durante los siglos XVII
y XVIII.
La expresión spiritual song se empezó a utilizar ya en el
siglo XVIII para designar un tipo de canto religioso diferente
de los salmos y de los himnos al uso en las Iglesias
protestantes, que normalmente eran adaptaciones de
estos
hechas
por
predicadores.

Eran cantos que se crearon colectivamente en una especie
de improvisación. Las sugerencias de personas individuales
se complementaban con las repeticiones del grupo, dentro de
un proceso en el que fragmentos de cantos ya conocidos
servían para elaborar otros nuevos, y donde la esperanza
de la religión y el entusiasmo generado por el mero hecho
de estar juntos desprendía una energía creadora que hacía
que las fórmulas improvisadas se uniesen para engendrar
unos cantos que serían luego memorizados, transmitidos
de
generación
en
generación
y
difundidos
a
otras
regiones.

Rasgos característicos:
Composición de textos a partir de frases breves, repetidas
y entrecortadas de invocaciones;
Adición de estribillos y de leit-motiv (una breve fórmula
melódica-verbal que se repite en las estrofas y en el estribillo,
con carácter de interjección); se trata de una de las
Innovaciones de los espirituales dentro del canto religioso.

Reescritura en un estilo popular de las tribulaciones, imágenes
y símbolos bíblicos y evangélicos;
Acompañamiento de movimientos corporales y de corros en que
se arrastra el paso.
En la mayoría de los espirituales existe un paralelismo
estructural entre letra y música: a cada sílaba le
corresponde una única nota (aunque la ornamentación
melismática puede alterar esta regla durante la ejecución).
 en su contenido, el mundo terrenal se entremezcla con
el más allá; por tanto, además del contenido religioso,
los espirituales constituyen una verdadera crónica de la
vida de los oprimidos.

Hablan del sufrimiento y de las pruebas que hay que superar,
de las luchas por la liberación, de la búsqueda de un hogar.

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MÙSICA CLASICA

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En la vida de las personas es muy común la presencia de la música,
puesto que los sonidos y diversos componentes de la música hacen
que las personas se puedan relajar y disfrutar de momentos
agradables, gozando de aquel género musical que sea de preferencia
y en el cual encuentren un medio para pasar el tiempo disfrutando
de sonidos agradables;
pero entre todos los géneros de música que hay, existe uno que
por su calidad musical y los efectos que puede tener, se ha convertido
en una de las mejores muestras musicales y de las que mas se
adecua a los gustos de diferentes tipos de personas y es la música
clásica, que gracias a la genialidad de personajes como Mozart,
Beethoven y otros, lograron dar cabida a unas de las composiciones
musicales mas agradables y disfrutadas por las personas, las que
hacen parte del grupo de la música clásica.

Lo que principalmente caracteriza a la música clásica y el hecho por
el cual es considerada tan excelente muestra musical, se debe a la
gran estética que se imprime y que posteriormente representan a
las notas musicales que se dan dentro de la música clásica, lo que
hace que los sonidos expuestos por medio de este genero alcance
un gran valor artístico y por tanto resulta agradable ante
diferentes oídos.

Algunos de los puntos principales que tienen presencia dentro de
la música clásica, es que al realizar alguna obra dentro de este
selecto grupo se busca como puntos primordiales obtener una
música delicada, ademas de muy brillante, alegre y plástica,
con el fin de hacer una música que represente el estado de animo,
lo que sugiere como punto de partida la base de la melodía como
el componente esencial de la música clásica, que hace que la melodía
tome un papel gigante dentro de la realización de diferentes
muestras musicales que pertenezcan al grupo de la música clásica,
puesto que la melodía, de una u otra forma se gana el papel del
alma de la música clásica.

Para lograr que las melodías alcancen un gran nivel de expresión
de valores y de estética, es común que se recurra a otros tipos de
música, sin ser estas parte de la música clásica y son la música
popular y folklórica, con lo que se busca extraer algunos valores
de la sociedad o que buscan alcanzar en las sociedades.

Ademas de la carga de valores que deben tener las melodías, estas
también deben ser el reflejo de la perfección musical, de tal manera
la construcción de la música clásica, sugiere un gran proceso de
composición, donde se deben presentar frases de ocho compases,
las cuales están divididas en el transcurso de 2 periodos iguales;
de dieciséis, por tanto de ocho y ocho o de seis de tres y tres.

En si lo que muestra esta manera en la que están construidas
las melodías, reflejan el gran carácter regular que poseen las
melodías dentro de la música clásica.

Dentro de la música clásica se atiende a un ritmo natural, con
tonalidades simples y fáciles, que son preferentemente en tonos
mayores, así se muestra en cierta medida al hombre como un ser
armónico y sin problemas, dentro de una música alegre,
brillante y clara.



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Composición Musical en PC

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Sin trompetas, flautas ni violines... Con un teclado, pero no el del piano
sino el de una computadora
Comencé a componer por Computadora en 1992 y hoy, creo mis canciones,
conforme puede verse a continuación. Seguí mis pasos, si querés... podés:
PASO 1:
Hago una melodía en Midi para la parte cantada y otra para el estribillo...
PASO 2:
Agrego instrumentos base en Midi: bajo, batería, y un colchón que pueden
ser los clásicos violines.
En general la batería la dibujo nota por nota, y los otros instrumentos con el teclado,
o a veces depende del tema.
También si tengo la posibilidad agrego instrumentos grabados del exterior,
como guitarras eléctricas, acústicas, saxo, etc. en formato wav.
PASO 3:
Cuando el tema, en su base esencial está armado, le agrego una introducción
y una parte de solo y final.
PASO 4:
Grabo cada instrumento en un archivo wav con los efectos deseados
(Chorus, Reberb, Phaser, Echo, etc.) en 16 bits, estéreo, 44100 Hz.
Estos datos son los óptimos para bajar luego a CD.
Luego mezclo todos los archivos a los volúmenes en el que cada instrumento
se escuche y no sobresalga entre los demás.
PASO 5:
Una vez que tengo la pista final de música, grabo la voz, obteniendo un archivo wav
de la voz, dándole efectos y mezclándola posteriormente con la música.
PASO 6:
Finalizado el paso 5 grabo a CD en formato audio CD, normalizando previamente
el archivo wav final.
Comentarios adicionales
En 1991, cuando componía sin computadora, lo hacía con una guitarra acústica.
La letra la hago después que la música está finalizada.
Es la técnica que más me atrae, ya que la música me inspira para darle
una letra más acorde.
Pero esto no me inhabilita para tomar una letra y ponerle música.
He procedido así en mas de una oportunidad.
Los diseños de las tapas son de mi total autoría, al igual que los nombres de los CDs.
Software y Hardware utilizado
Placa de Sonido: Sound Blaster Live! o Audigy, Creative - http://www.soundblaster.com
Secuenciador: Sonar 3.0, Cakewalk - http://www.cakewalk.com
Edición de Tracks: Sound Forge 6.0, Sonic Foundry - http://www.sonicfoundry.com
Mezcla Final: Nuendo 2, Steinberg - http://www.nuendo.com
Conversión a MP3: Wavelab 4 - http://www.steinberg.com
Conversión a ASF/WMA: Windows Media On-Demand Producer, Microsoft - http://www.microsoft.com (gratis)


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Secuenciador MIDI

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La primera cosa a entender acerca de los secuenciadores de MIDI es que
estos no producen un sonido propio. Es cierto que algunas unidades de
hardware mas nuevas vienen con sonidos dentro del secuenciador, pero
cuando los secuenciadores de MIDI inicialmente llegaron al mercado eran
una aplicación independiente (tanto de hardware como de unidades de software)
y era necesario conectar la salida MIDI de la unidad a la entrada del modulo
de sonido deseado (hay docenas de ellos; DX7 (teclado), TX7 (módulo)
varias unidades de Roland (Sound Canvas, MT 32), Korg, y muchos otros.

El papel del secuenciador es captar, con precisión, los sonidos digitales MIDI
producidos por un teclado o cualquier otro tipo de controlador MIDI,
como una guitarra a convertidor de midi o EWI de Yamaha –
un instrumento de viento MIDI.

El instrumento envía datos en paquetes de 7 bits (7 bits permite contar a 128)
y le dice a la unidad receptora qué tipo de datos están entrando, la activación
de la nota, el número de nota a tocar, el canal midi en el que esta, la velocidad
de la nota y, la desactivación de la nota.

En los últimos años se ha convertido mas común para los diseñadores usar
la duración de la nota (en lugar de usar el protocolo de nota prendida/apagada),
ya que esto ayuda a prevenir que se “atoren” las notas, una experiencia
desafortunada, especialmente en una presentación en vivo, en donde el
módulo de sonido no recibe la “desactivación de la nota” y sigue
desempeñando uno o más sonidos.

Hay muchos secuenciadotes de MIDI disponibles de bajos y altos costos.
Yo empecé con el Pro24 Steinberg hace muchos años usando computadoras
Atari y continúe con la era Cubase hasta Cubase SX2. Tuve problemas con Cubase
cuando pase a la plataforma PC y así comenzó una búsqueda de algo que
funcionara para mí

. Al final me encontré con SAWStudio y el Midi WorkShop y, después de probar
estos por unos meses, descubrí que esta combinación era sólida como una roca
en cuanto al bloqueo de audio a MIDI y viceversa.
Terminé usando una combinación de SAWStudio + MWS y me segui
impresionando lo bien que funcionaba – también debo hacer mención de la
calidad excelente calidad de sonido de SAWStudio, algo que hacia falta en
mis experiencias anteriores.

Con una instalación de tamaño de sólo 1,4 megas – un entorno de trabajo completo
se puede almacenar en una memoria USB.
El uso de recursos de computadora de SAWStudio es tan bajo que he podido
utilizar un ordenador equipado Celeron 400 para ejecutar un espectáculo de
teatro en un restaurante con música y efectos de sonido, además de ejecutar
las luces con 3 controladores de luz siguiendo comandos del Midi WorkShop .



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MÙSICA CORAL

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Un coro es un grupo de personas cantando en forma simultánea
y artística.
El canto coral es una de las formas de expresión colectivas
más antiguas de la humanidad, a través del instrumento que
lleva incorporado, el más puro y exacto de todos: la voz humana.

Si se cantan distintas melodías o líneas a la vez, tendremos
diferentes grupos o cuerdas, la obra en cuestión y el coro será
polifónicos, debiendo haber preferentemente al menos dos personas
por cuerda.
Si cantaran todos los integrantes la misma línea, se trataría de una
obra coral monódica.

Al frente de un coro es necesaria la presencia de un director, que va
indicando el tempo, y a cada cuerda las variaciones dinámicas de
la pieza.
Las agrupaciones de voces más comunes actualmente en un coro,
agrupadas por tipo de registro, son:
Soprano: voces femeninas más agudas que generalmente llevan
la melodía principal.
Contralto: voces femeninas más graves.
Tenor: voces masculinas agudas.
Bajo: voces masculinas graves.

Al cantar cada cuerda su línea melódica, estas se van superponiendo
y formando acordes, o sea que puede considerarse a un coro como
un instrumento armónico.

Los coros pueden interpretar obras “a capella” o bien con
acompañamiento instrumental.
En este último caso se lo denomina “coro concertante”.
Los coros también pueden clasificarse en profesionales y vocacionales,
siendo estos últimos los que predominan en número, siendo sus
integrantes aficionados a la música vocal.

Las obras que interpretan los coros pueden haber sido compuestas
exclusivamente para ese fin, o bien tratarse de un arreglo para
distintas voces, basado en una obra previamente existente.

La música coral se encuentra actualmente difundida por todo el mundo,
y cumple una importante función de difusión cultural y de
integración social, como también hace al bienestar de las personas
involucradas en su práctica, motivándolos a expresarse artísticamente.

Quien canta en un coro debe adaptarse a compartir vivencias y sonidos
con otras personas, buscando un “sonido grupal”, dejando de lado
egoísmos y afanes de protagonismo, buscando el mejor resultado
final general.


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ACORDES Y ESCALAS.

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Se cree que cuando hablamos de escalas y acordes estamos
hablando de dos cosas o dos partes diferentes, pues mal hecho.
Armónicamente es exactamente lo mismo, y nuestro cerebro
funcionaria mejor si unimos este concepto porque recordaríamos mejor.
Podemos decir que los acordes salen de las escalas o al revés,
en el estudio del jazz se cree que las escalas salen de los acordes,
ya que el acorde se forma por triadas como por ejemplo:
cuando uno toca un acorde cualquiera, lo que uno hace es tocar
la 1era, 3era y 5ta nota de una escala no cierto? así sea en la
guitarra o en el piano, este seria el acorde básico.

En este acorde podemos definir la especie del mismo; si es mayor,
menor, disminuido, semidisminuido y o alterado.
Pero ¿Por que solo poner hasta la triada 5ta? que pasa si seguiríamos
con las triadas: 1era, 3era, 5ta, 7ma, 9na, 11na, 13na, Podemos decir
que cuando agregamos triadas a partir de la 5ta son acordes con
tensiones, aunque en la música jazz el acorde básico es de 4 notas
es decir llega hasta la 7ma, entonces si estudiamos un acorde que llega
hasta la 13na, vamos a notar que en realidad estamos viendo la escala
de ese acorde por intervalos de triadas, porque la 9na es la misma
nota que la 2da, la 11na es la misma nota que la 4ta y la 13na es
la misma nota que la 6ta, en definitiva nos queda la escala reemplazando
las tensiones 9na, 11na y 13na por la 2da, 4ta y 6ta.

De ahí que la escala sale del acorde con sus triadas hasta la 13na.
El estudio de la armonía nos dice que, cada acorde es una escala o
cada escala es un acorde, siempre estamos hablando de lo mismo,
cuando uno toca un acorde, éste tiene su escala correspondiente,
y cuando uno toca una escala, ésta tiene su acorde correspondiente,
así que a no separar escala y acorde ya que la única diferencia està
en su ejecución.


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Domine y Aprenda Guitarra Revelada: Instrucciones detalladas sobre còmo sostener correctamente la plumilla para su guitarra.

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Mientras que usted está aprendiendo a dominar y aprender las
 técnicas de guitarra con su mano izquierda, usted querrá
asegurarse de no olvidar la técnica de su mano derecha.

Muchos nuevos guitarristas cuando aprenden a tocar la guitarra
 no están seguros de cómo sostener correctamente una plumilla.
 Sostener la plumilla correctamente es imprescindible para poder
 tocar los acordes y escalas de su guitarra como todo un profesional.

Una manera impropia de sostener la plumilla le impedirà ser capaz
 de dominar y aprender la tecnica de la plumilla con la mano derecha
 y de aprender el arte de la plumilla alterna.

Antes de echar un vistazo a cómo sostener la plumilla, asegúrese
 de que el pulgar y el dedo índice de su mano derecha están limpios
 y secos. Esto asegurará que su plumilla no se deslice fuera de sus
 dedos.
Echemos una mirada detallada a las 9 de pasos que aseguran
 como sostener su plumilla correctamente.

1. Tome su plumilla y coloquela debajo de su pulgar derecho.
2. Imaginese que la uña de su pulgar crece mostrando 4/5 de la
punta de tu plumilla.
3. Ahora gire la plumilla hacia usted mismo con un angulo de
45 grados . La punta de su plumilla debe de estar apuntando
hacia usted ahora, con su dedo pulgar apuntando en paralelo
a su guitarra y al cuerpo.
4. Coloque el dedo índice debajo de la plumilla.
5. La posición de su dedo ìndice estará del lado derecho de la
plumilla, yendo desde el centro hacia el lado derecho de la plumilla.
6. Desde este punto es posible que tenga que ajustar ligeramente
 la posición de la punta de su plumilla. La clave aquí es sostener la
 plumilla cómodamente y con precisión suficiente para poder
 desempeñar sus escalas y acordes de guitarra correctamente.
7. Colocación final de los dedos: Con los otros tres dedos que
 restan de la mano derecha, los puede curvear con su puño suelto,
 o puede cerrar los tres dedos por debajo de la primera cuerda.
 Si silencia las cuerdas de su guitarra con su la palma de su mano
 a continuación, que su meñique derecho descanse cómodamente
 debajo de la primera cuerda.
8. Asegúrese de tener un fresco plumilleo: Asegùrese de tener un
 fresco plumilleo en todo momento para conseguir un sonido nítido
y preciso de su mano derecha cuando rasgue o plumee su guitarra.
 Después de dos horas de estudio y la práctica, querrà cambiar de
plumilla.
Después de dos horas, la punta de su plumilla se desgastarà por lo
 que se hace más difícil de reproducir con precisión las escalas de la
 guitarra. Si lo que hace es tocar acordes, entonces puedes usar su
plumilla ya menos, sòlo que tenga que tocar notas de un arpegio
 en su guitarra.
9. Elegir el tipo adecuado de plumilla: Usted tendrá que comprar
 un par de distintas plumillas, ya que hay muchas opciones de
selección para escoger.

Una regla general al comprar su primer plumilla para guitarra
es comprar una plumilla semi-ligera. De ahì usted puede decidir
 si desea tocar con una plumilla más firme o más delgada, o
simplemente conservar el estilo de plumilla semi-ligera.



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Jazzista por excelencia.

Jaean Nodot en toda su trayectoria como Jazzista ha logrado fusionar
el Jazz Latino con nuestros ritmos autoctonos. Creador del Huapango Jazz,
sigue incursionanado con estas nuevas fusiones, experimentando y
logrando nuevas expresiones musicales.

Mexicano de nacimiento ha logrado captar el verdadero sentimiento
de nuestra tierra Mexicana, para lograr un ambiente nuevo en su
mùsica para deleite de los escuchas.

Combinando los ritmos latinos ha logrado cautivar a su audiencia
con nuevos gèneros musicales como Pianista y como Cantautor.

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La Mùsica del Espiritu Santo.

Hacia donde vamos? Que es la musica futurista? Te has dado cuenta como ha cambiado todo? Nuestro clima, las sociedades, el medio ambiente en general? Como que con eso del calentamiento global nos lavan el cerebro ocultando la verdad acerca de nuestra tierra y me refiero a los medios televisivos, como que no quieren revelar que la humanidad esta a punto de cambiar, nuestro planeta esta a punto de cambiar, estamos en un ciclo cosmico que esta por suceder. Como sera la musica futurista? Conservaremos todo el conocimiento del pasado?
O simplemente todo se perdera? Es a nosotros en tomar cartas en el asunto, el no dejarnos engañar por los mensajes subliminales que existen y buscar la verdad para sobrevivir sin dudar ni un momento de la ayuda de Dios en estos tiempos pues yo veo señales por todos lados de que su llegada es inminente. Esperamos atraves de la musica poder transmitir los mensajes que Dios quiera que lleguen a la humanidad y esa ya es parte de la musica futurista. Y si quisiera aclarar algo; Al hablar de mùsica futurista, me refiero a como serà la mùsica del Espiritu Santo
no me refiero a las corrientes de ahora, que simplemente le ponen algun termino o cambian un nombre o
simplemente le inventan nuevos nombres a nuevas corrientes a ritmos que ya han existido desde mucho tiempo atràs. Nada hay nuevo bajo el sol, pero entramos en una nueva època espiritual, que es la llegada de Cristo en espìritu, de esa mùsica hablo yo. Que mùsica serà la mùsica del Espiritu Santo, a esa mùsica me refiero como mùsica del futuro y no como las corrientes de ahora que solo inventan nombres por comerciar con la mùsica para sus beneficios comerciales. Y no quiero seguir comentanto nada para no herir susceptibilidades de mùsicos compositores o de compañias disqueras que sòlo comercian con la mùsica. ¿Aclarado?



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